6. ARTE COMO DISCURSO CRÍTICO

¡Bienvenidos/as una vez más a mi blog sobre arte!

Hoy trataremos un nuevo tema, el arte como discurso crítico. Como hemos visto anteriormente, el arte tiene numerosos usos como, representar la realidad, expresar sentimientos y de lo que vamos a hablar hoy, criticar aspectos sociales o políticos del mundo en el que vivimos. Para ello, hemos leído la lectura "El artista como intelectual público" de Carol Becker.

Los artistas que optan por esta corriente se denominan "Artistas como intelectuales públicos", según Becker (1997), son "aquellos que creen en la importancia de la esfera pública y que crean y producen una obra de la que esperan que el mundo responda". Los artistas identificados con esta corriente del Instituto de Arte de Chicago, en el que trabaja Becker, "se ven a sí mismos y mismas como activistas deseando formular afirmaciones contundentes sobre el mundo y para el mundo a través del medio artístico", además, los proyectos que realizan son "claramente políticos".

Becker también afirma que todos los artistas deberían aceptar este papel público que les corresponde ya que, una obra de arte si no tiene público o nadie la ve no serviría para nada.  Por otro lado, en mi opinión, esto contrasta con la idea de arte como "expresión" ya que en muchos casos se utiliza el arte como terapia personal, entonces, aunque una obra no esté dirigida a ningún público puede ser de gran utilidad para el propio artista.

Son numerosos artistas los que han optado por utilizar el arte como crítica social. Este es el caso de las Guerrilla Girls, "una voz destacada del arte feminista, es decir, del arte producido desde perspectivas feministas" (Arkistan, X . 2015). Las Guerrilla Girls es un grupo activista que surgió en los años 80 en Nueva York que criticaba la opresión de las mujeres, realizaban pancartas y carteles dejando en evidencia a la institución. No sólo criticaban la opresión de las mujeres en la sociedad sino también dentro del mundo del arte.

A continuación, os dejo un documental sobre las mismas:

Guerrilla Girls

La artista Nuria Güel, también se ha dedicado a hacer una crítica a las instituciones, sus obras son de carácter político y social. Güel se basa en la acción, realiza un arte mediante acciones para ayudar a los demás y reivindicar así causas sociales. Una de las obras que hizo fue "Humanitarian Aid" consistía en ofrecerse como esposa al cubano que escribiera la carta de amor más bonita, para que este pudiera obtener la nacionalidad española y después separarse.  Otra acción que hizo fue  "Intervención", adquirió unas viviendas que vacías debido a los desahucios y se quedaron abiertas para el uso público. Esto son solo dos ejemplos de las muchas obras que ha realizado esta artista, a continuación os dejo para que ojeéis su portafolios con muchos de sus actos artísticos y también su página web: http://www.nuriaguell.net/.

Otro caso es el de Valeriano López, un docente que hace una crítica valiente, irónica y desenfadada al sistema educativo. Sus diferentes piezas de arte muestran las realidades de la Institución educativa a través de fotografías, vídeos y elementos de mobiliario escolar. Os dejo a continuación su página web para que podáis ver sus trabajos: secuela publica

Un artista que me ha llamado la atención es Dran, artista urbano, ilustrador y animador francés que utiliza temas de crítica social para sus obras por lo que se le podría incluir en la definición anteriormente mencionada sobre "Artistas intelectuales públicos", dada por Becker, C. Se  trata de un artista que a su vez es ciudadano del mundo con preocupaciones sociales que formula afirmaciones sobre el mundo y para el mundo a través del medio artístico, como afirma Becker (1997). Además podemos ver  cumple con su "papel de portavoces de múltiples puntos de vista y defensores de la críticas social" tal y como concibe Becker a estos artistas.

La mayoría de las creaciones de Dran se encuentran en la calle, pero también ha hecho exposiciones en galerías y museos. 

En este pdf podréis ver alguna de sus obras.

Por último, está corriente, a mi parecer se relaciona con alguno los proyectos finales que hicimos, muchos de ellos reivindicaban algún hecho social. Por ejemplo, el proyecto "A- sentarse" mostraba mediante una performance como una mujer atada a la tradición y la cultura, se libera para empezar una nueva vida, criticando así la sociedad patriarcal. También el proyecto "El cambio" hace una crítica a la educación, mostrando primero el método tradicional, en el que todo está ordenado, y posteriormente otro basado en nuevas metodologías, basadas en la cooperación, la coeducación, etc. 
Asimismo, otro proyecto que también me gustaría mencionar es otro que no tenía nombre, se trata de un vídeo en el que al principio aparecen sillas muy diversas en diferentes lugares y posteriormente aparecen con un mensaje ya que cada una representa un problema de nuestra sociedad. Por ejemplo, el patriarcado, el cambio climático, que el dinero no da la felicidad, etc.  Después aparece una pequeña performance en la que una "profesora" tira todas estas sillas creando un ruido. En mi opinión, con este proyecto han querido reivindicar la importancia de la educación para poder mejorar el mundo y hacer frente a muchos problemas de la sociedad. También puedo entender el cambio del silencio al sonido (al tirar las sillas) como la necesidad de hacer ruido para poder destruir  estos problemas. 
En definitiva, como hemos visto, muchos de ellos realizaban una crítica a la sociedad.

             

5. EL ARTE COMO EXPRESIÓN

¡Hola a todos/as una vez más!, hoy vengo a hablaros sobre un nuevo tema, el arte como "Expresión".

Un modo de darse el arte es como expresión, muchos artistas utilizan el arte para expresar sus sentimientos, emociones o vivencias, tal y como afirma Paul Cézanne, "Un arte que no se basa en el sentimiento no es arte".
Según Aguirre (2000), esta tendencia de la "autoexpresión creativa" se caracteriza por “la libertad, la sensibilidad, la originalidad, creatividad, naturalidad, espontaneidad, imaginación y genialidad” y según él “se fundamenta en una concepción completamente rousseauniana del niño”. Esta corriente se caracteriza también por no buscar ningún beneficio en la expresión plástica, en la que el centro de la propuesta pedagógica es el sujeto creador y no el producto creado. (Imanol Aguirre, 2000).

En clase hemos ilustrado esta tendencia expresiva, realizando un poster por grupos expresando nuestros sentimientos sobre el arte. A esta actividad he podido aplicar los conceptos clave de la educativa artística basada en la autoexpresión de Aguirre, mencionados anteriormente.  En primer lugar “la libertad” ya que cada grupo podía hacer lo que quisiera (dibujar, pintar recortar y pegar…), en segundo lugar “la espontaneidad y naturalidad” porque lo hicimos allí en clase, sin prepararnos nada. Y también la “creatividad e imaginación” ya que la obra de cada grupo era diferente y cada uno lo interpretaba a su manera.

Por otro lado, son muchos los artistas que han optado por esta corriente expresionista como son Robert - Wiene con la película "El gabinete del Doctor Caligari" y Tim Burton, cineasta más actual con el corto "Vicent", el cual nos recuerda mucho al anterior.

https://www.youtube.com/watch?time_continue=6&v=feyzmMHURps&feature=emb_logo

En esta corriente también podemos incluir a la artista española Esther Ferrer, la cual realiza performances, acciones con su propio cuerpo, para expresar sentimientos.  A continuación, os dejo su página web para obtener más información sobre ella. https://estherferrer.fr/es/

En relación con el arte como expresión, otros artistas utilizan el arte como terapia. Este es el caso de Yayoi Kusama, una enferma mental que expresa su angustia vital y sus problemas personales a través del arte abstracto.

Según el psicólogo Jonathan García- Allen "La expresión de las propias emociones a través del arte, puede ayudar a resolver problemas del pasado y puede ayudar a mejorar el auto conocimiento, la autoestima, el control emocional, reducir el estrés y la ansiedad, mejorar el estado de conciencia, la atención o la creatividad."

A continuación, os dejo un enlace en el que se especifica más detalladamente en que consiste el Arteterapia:  https://psicologiaymente.com/clinica/arteterapia

Por último, esta corriente del arte, la podemos asociar a uno de los proyectos grupales expuestos en clase, en este caso con el de "Rutina reclinatoria" se trata de una performance en la que mediante una silla y una persona que se va levantando y sentando varias veces de diferentes maneras podemos ver como esa persona va evolucionando, sus sentimientos y emociones van cambiando. Con ello yo creo que han querido expresar los diferentes altibajos de la vida por los que puede pasar una persona. Aunque a su vez también podemos ver cierta crítica a la sociedad ya que la expresión de estos sentimientos se puede entender como consecuencia de la alineación. 

2. APROXIMACIÓN AL CONCEPTO DE ARTE

¡Buenos días, chicos/as! 

Hoy en clase hemos estado tratando el concepto de arte, hemos reflexionado sobre ¿Qué es el arte?, cada uno hemos dado una definición sobre qué es el arte para nosotros, la mía ha sido la siguiente: "El arte es un modo de expresión de sentimientos, emociones o creencias sin necesidad de las palabras, para su creación son necesarias ciertas capacidades o aptitudes. El concepto de arte incluye diversos ámbitos como, la literatura, la escultura, la música, la danza, la pintura, etc," (Leyre Chivite, 2020).

Posteriormente, hemos visto diferentes definiciones de arte, que se han ido dando a lo largo de la historia ya que es un concepto difícil de explicar debido a que no todo el mundo lo entiende de la misma manera y es cambiante, por lo tanto, no siempre ha tenido el mismo significado.

En cuanto a las definiciones que hemos visto me ha parecido interesante la de Tatarkiewicz (1996, p. 67): “Es una actividad humana consciente capaz de reproducir cosas, construir formas, o expresar una experiencia, si el producto de esta reproducción, construcción o expresión puede deleitar, emocionar o producir un choque.”

Me ha gustado esta definición porque engloba diferentes posturas y diferentes formas de ver el arte: dice que "es capaz de reproducir cosas", con lo que se refiere al arte como representación de la realidad, Alberto Dueto refuerza esta idea afirmando que "Cuanto más fiel sea tu obra a la figura viviente, tanto mejor será”. Pero, por otro lado, Tatarkiewicz también dice que el arte es capaz de "expresar una experiencia", refiriéndose así al arte como expresión de sentimientos o como "autoexpresión", tendencia descrita por Imanol Aguirre (2000).

Os dejo aquí el resto de las definiciones ya que cada una aporta un enfoque diferente y todas son válidas.

En relación con el concepto de Arte, he encontrado una página web que explica muy detalladamente qué es el arte, su significado, características, origen y sus diferentes tipos: las artes visuales, el arte abstracto, contemporáneo, barroco, etc. Os dejo el enlace para que le echéis un vistazo y podáis ampliar la información ofrecida en este blog: https://tiposdearte.com/que-es-el-arte/#forward.También os dejo un vídeo que habla sobre el concepto de arte.

4. EL ARTE COMO "REPRESENTACIÓN DE LA REALIDAD"

¡Buenos días a todos y todas! Estoy aquí un día más para seguir reflexionando sobre el arte.

Esta semana hemos leído la lectura "La guía de Caja Madrid para el arte ahora mismo", una lectura muy interesante que habla sobre numerosos aspectos relacionados con el arte como representación.

La lectura me ha hecho replantearme varias cosas, una de ellas, la importancia del arte, es algo increíble ya que mediante él se pueden expresar sentimientos, reivindicar problemas sociales y según donde este colocada la obra puede tener un significado u otro.

Gracias a esta lectura he podido comprender como la consideración del arte depende de la época en la que se presente ya que el arte es aquello que se acepta como tal y a lo largo de la historia no se han aceptado las mismas cosas como arte. Por esto, lo que ahora se considera como arte, por ejemplo, la silla de Joseph Kosuth, seguramente hace 200 años no se hubiera considerado como una obra de arte y no estaría en un museo. También, el hecho de considerar una obra "buena" o "mala" va a ir cambiando también con el paso del tiempo ya que las investigaciones y el modo de contrastarlas ira evolucionando.

También esta lectura habla sobre los objetos representados en obras de arte, si son verdaderamente reales o si estos objetos se pueden considerar arte. El autor de la lectura afirma que una vez usado el objeto en una propuesta artística dejan de ser verdaderamente reales ya que pierden su uso y pasan a ser representaciones. En cuanto a la otra cuestión, si cualquier objeto con ponerlo en una exposición puede convertirse en una obra de arte, afirma (basándose en la opinión de Sol LeWitt) que el objeto es lo de menos, lo que importa es la idea, lo que ese concepto engloba. Asimismo, se valora más el proceso, el cambio por el que pasará la obra o las circunstancias que precisará el espectador para su transformación. Esto me ha hecho reflexionar bastante, ya que muchas veces se menosprecian obras simples sobre representaciones de objetos reales o no se les da el valor que se merecen.

En relación con esta corriente del arte como representación la podemos asociar a algunos de los proyectos finales realizados. En este caso lo asociaría de cierto modo (debido a que es una representación un poco abstracta y se puede interpretar de varias maneras) a nuestro proyecto, “3 realidades”, ya que mediante 3 sillas y una breve performance quisimos representar 3 situaciones en la vida de las personas.  Por ejemplo, con la primera silla (3 patas) quisimos mostramos la inestabilidad que se puede interpretar de diferentes maneras (inestabilidad económica, sentimental, etc.). En la segunda, representamos una situación que ocurre mucho en la actualidad que es, cuando una persona que tiene problemas, algún vacío por algo o una inestabilidad, emocional, por ejemplo, rellena ese vacío mediante el dinero o cosas materiales, compradas con dinero.  Y, por último, en la tercera (chinchetas), representamos una situación difícil en la que se puede encontrar cualquiera y como buscarle solución a ese problema. Debido a que todo esto también tiene relación con lo sentimental y lo personal también se podría relacionar con el “arte como autoexpresión” ya que, por ejemplo en la tercera, nos inspiramos en nuestra infancia.

En esta corriente, bajo mi punto de vista, también podríamos incluir el proyecto "'¿silla?" ya que representa una realidad que nos incumbe a todos, que es la infinidad de usos de una silla. En este proyecto representaron diferentes momentos de la vida cotidiana en los que utilizamos una silla para  actividades que no sea sentarse en ella.  Muestra como cada uno tenemos el "poder de la silla", el poder de utilizarla como queremos. 

También, el proyecto "The door", en el muestran mediante dos sillas dos momentos, por un lado la silla gris (de piedra) y el ruido de la obra representan la angustia, relacionado con lo tradicional, lo rígido. Y en la segunda, la silla de agua muestra la tranquilidad ya que se movía al ritmo de las olas del mar.

3. APROXIMACIÓN AL CONCEPTO DE ARTÍSTA

¡Buenos días, chicos y chicas! Vuelvo un día más a contaros como ha ido mi semana en la asignatura de artes. Para esta semana hemos tenido que leer una nueva lectura “Mito y leyenda del artista en la actualidad.”, esta lectura me ha hecho reflexionar sobre el concepto de artista.

Esta lectura nos muestra que a lo largo de la historia el concepto de artista ha ido evolucionando, como afirma Dolores Fernández (2013): "Del trabajo anónimo de los artesanos fue trepando escalones hasta ser considerado divino en el Renacimiento italiano"

Por otro lado, Wittkower, (1988:12) afirma que existen dos tipos de artistas: "mercurio" que representa a los artistas alegres y enérgicos y "Saturno" que representa a los melancólicos y solitarios. Este arquetipo de Saturno, según Wittkower, caracterizado por la melancolía remite de esta manera a una de las peores enfermedades o pecados del ser humano a lo largo de la historia. Debido a que en el Renacimiento era la enfermedad de los artistas, en el Romanticismo se agravó esta idea, en el cristianismo se consideraba como pecado y en el siglo de las luces, se calificaban los síntomas como neurastenia, depresión o esquizofrenia. (Fernández Martínez, D., 2013)

También podemos tener en cuenta la afirmación de Becker (1997): "ser artista significa desarrollar un enfoque creativo sobre la complejidad del mundo, y resolver los problemas que cada estudiante se plantea a través del medio visual, cualquiera que este sea", hay que aclarar que ella defendía que los artistas deben ser "intelectuales públicos", es decir, artistas como ciudadanos del mundo con preocupaciones sociales. Sin embargo, Becker también afirma, que en la actualidad estadounidense existen ciertas concepciones de los artistas, por un lado, la romántica, el artista marginal, salvaje, loco, etc. Y, por otro lado, el artista bohemio, algo irresponsable, menos que un adulto, ensimismado, que a veces realiza algo increíble, alguna vez hace una estafa al público y otras hace algo que muy pocas personas entienden

Finalmente, en relación con el tema del concepto de artista, me he planteado el hecho de qué, si un artista nace o se hace, esto me ha hecho reflexionar bastante y he llegado a la conclusión de que, por una parte, se nace porque los artistas tienen ciertas capacidades y aptitudes que no todo el mundo posee. Pero, por otra, se hace porque es necesario trabajar y desarrollar estas capacidades, sino no servirían de nada. Se trata un tema de gran controversia ya que unas personas creen que los artistas nacen con un "don" y con ello ya tienen la vida resuelta pero otros opinan que todo el mundo puede ingresar en una escuela de arte y convertirse en un artista. Sobre este aspecto he encontrado varias páginas que tratan este tema de manera interesante y aportan diferentes puntos de vista, a continuación, os dejo dos, ambas se inclinan más a defender que aunque estudies en una academia de arte o trates de formarte, se necesita un talento que "debe nacer con la persona" :

https://www.hangel.es/artista-nace-o-se-hace/, http://www.thelightingmind.com/artista-nace-o-se-hace/

1. MODOS DE VER

¡Buenos días! Hoy vengo a hablaros tras mi primera clase teórica de Artes, para ello teníamos que haber visto el vídeo de John Beger "Modos de ver".

Este vídeo me ha hecho replantearme cosas que nunca me había replanteado y es la importancia o el impacto de las cámaras. Las cámaras son un invento fascinante ya que pueden llevar el arte a todos los lugares del mundo.

Muchas veces había visto fotos de pinturas en Internet, pero nunca me había parado a buscarles significado y es que, como dice John Beger: dependiendo del lugar de donde las mires o la perspectiva en la que la mires tiene un significado u otro ya que todo lo que rodea a la fotografía o la obra en sí forma parte de su significado.  Por esto, las fotografías de pinturas multiplican los posibles significados de las pinturas y a la vez destruyen el original y único ya que gracias a las fotografías las pinturas son accesibles en muchas partes del mundo a la vez.

Por lo que, a mi parecer, la fotografía ha tenido impactos positivos y a la vez negativos en el arte. Positivos porque, como ya he dicho, hace la obra sea mucho más accesible para todo el mundo, teniendo de esta manera una posible mayor repercusión ya que una obra de arte sin un público que la disfrute no es una obra. Pero también negativos, porque al sacar una obra de su lugar de origen pierde su significado original, adoptando muchos otros, dependiendo del lugar de donde se observe la obra.